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中国绘画艺术之最大特点是将绘画作为情感表达的一种方式，以此表现作者的审美理想和审美情趣。历代画家崇尚含蓄内敛之美 ，注重意境氛围的营造，并通过形象描绘表达自身的艺术境界。这种意境的创造，其实也就是画家特定文化心境的一种艺术传达，是个人心灵追求转化为艺术表达的一种物化形态。意境是主观情感与客观景物相熔铸的产物，是情与景、意与境的统一。当艺术家的自我精神与宇宙世界的生命意识融合后，便会达到忘我或无我的超自然境界。
唐代画家张�提出了“外师造化，中得心源”的创作原则。中国画在此基础上追求“以形写神，形神兼备，超以象外”的绘画理念，主张绘画的意境美在于“似与不似之间”。石涛说：“明暗高低远近，不似之似似之。”这“不似之似”已成为中国画家遵循的法则。正如齐白石所说：“妙在似与不似之间”，“不似则欺世也，太似则媚俗”。意境既有来自艺术家主观的“情”，又有来自客观现实升华的“境”，“情”和“境”是有机地融合在一起的，境中有情，情中有境。我们可以从每一幅画作中看到自然的灵性，体会出人与自然的和睦融洽。自然通过人的动作，表达了自己的声音，人通过自然的景观，抒发了内心的情感。王国维在《人间词话》里说过：“有有我之境，有无我之境。‘泪眼问花花不语，乱红飞过秋千去’；‘可堪孤馆闭春寒，杜鹃声里斜阳暮’；有我之境也。‘采菊东篱下，悠然见南山’；‘寒波澹澹起，白鸟悠悠下’；无我之境也。有我之境，以我观物，故物皆着我之色彩；无我之境，以物观物，故不知何者为我，何者为物。” [1]“有我之境”，主观的情感意愿表达得较为充分，在表现手法上，有着丰富的感情色彩和渲染的意味。“无我之境”，主体的情感表达得较为隐喻曲折，心态较为平和，常常通过意境的营造来表达自身的情感波动。中国传统的花鸟画创作，将此等理念体现得十分充分。
一、不愁明月尽 自有暗香来
中国花鸟画与中国文化传统一脉相承，浸透了深厚的人文精神。它不是简单的对自然的摹仿，而是要传达一种诗意、一种境界来表现作者的审美情趣和精神追求。崇尚洁净、孤芳自赏、独善其身是中国艺术历来的传统，历代文人饮露餐花以象征自己品行的高尚和纯洁，并力图在艺术创作中为自己的心灵寻求一个清朗的世界。因此，在文人画家的笔下，多营造静雅恬淡的意境，以宁静之美、内敛之美表达其精神境界，寻求心灵的慰藉。“朱栏白雪夜香浮”、“疏影横斜水清浅，暗香浮动月黄昏”，透过画面，那淡淡的幽香，扑面而来，是何等的宁静、清雅。
明代著名画家陈淳，以其淡墨欹毫，疏斜历乱之风，独创面目，尤以没骨写意花鸟擅长。其水墨写意花卉对以后的花鸟画的发展具有极其深远的影响。他的《辛夷花图》，以疏淡清朗的笔墨描绘出在微风中轻轻摇曳的辛夷花，带着晨露，将幽幽的清香散开在山谷中。画面灵层次分明，叶柔圆而有弹性，画中似有无影无形的清香浮动。
吴门四家之一的文徵明，其诗、文、画无一不精。他的《兰石图卷》，意趣盎然，前半卷实墨写意，淡墨写兰叶，浓墨画新篁，在交错参差的叶脉中，几簇兰花绽放，清新淡然。后半卷淡墨双勾，与前卷相比，用墨着实淡得可以。兰草的叶以淡墨双勾，几株依稀隐现的兰花，隐逸在飘洒的叶片之中，后面的山石也是轻轻擦出，似乎稍一用力，便会把那幽静打破。整幅画作灵气飞动，色淡而明澈，风度雅净而幽深，兰叶飘逸，蕙蕊幽香，布置疏朗，不失谨严之法度，一实一虚，笔墨交错间将兰之灵韵送出。正如卷后王兽唐的题跋中写道：“神情自异，别有高致，尤非后人所能企及……。”
清扬州八怪之一的罗聘，是个全能画家，山水、人物、花鸟均精，对花鸟尤为钟情。画梅、兰、竹等极其精妙。罗聘画竹，被评为：写竹不满十数叶，能使叶叶生长风。他的《兰竹图》以空漏的太湖石为依托，将浓墨润竹的墨竹和淡墨双勾的兰草巧妙地分隔开来。形成由淡到浓、由近而远层次分明的画面。竹枝婆娑，墨浓而充满水分的竹叶饱满且富有弹性，笔法严谨，情感内敛，以求“刚中有柔，静中带动”的效果。整个画面淡雅、素洁，表现出一种纤尘不染、潇洒虚幻的超凡境界。
以上画作，均着力刻画出超越形式之外的“香”之灵韵，这灵韵，是画家对纯洁心灵的维护，是对清新世界的向往。画作本身也因这无形的香，活了起来，有了意境，更有了神韵。“山气花香无著处，今朝来向画中听”。香是无形的，无法用笔墨画出，香又是有形的，它通过画家笔下的意境传送出来。到画中听“香”，是超越形式之外的灵韵的追求。佛教认为，馥郁的香气，具有洁净人灵魂的作用，是纯洁的象征，是生命的本源，是远离尘嚣、出离污秽的美好世界。画家笔下的山水花鸟，无一不代表着作者本人的思想情感和对美好生活的向往，无一不是作者心灵的写照！人在自然面前，放弃了理性的生硬与意志的骄傲，以空灵的艺术笔法放飞心灵。无我之景，有我之景，画中见其色。
二、留得残荷听雨声
一片山水，一片心灵的境界，一朵水仙，一个灵魂的写照。宁静淡雅是美，荒寒孤寂也是美。不同的心境，有不同的意境，呈现给我们的便是不同风格的画作。朱耷，号八大山人，清初著名的四僧画家之一，是一位营造孤寂冷逸意境的高手。八大因其特殊的经历，怀着对明王朝的留念，以及对满清政府的抵触，他的作品往往以象征手法抒写心意，枯索冷寂，满目凄凉，于荒寂境界中透出雄健简朴之气，反映了他孤愤的心境和坚毅的个性。其《荷花鹭鸶图》以快捷的笔速，大块面的晕染，绘出葱茏的荷叶和洁白的荷花。一只瘦小的鸟站在一块凸出的怪石边，整个身子向下倾斜着，仿佛随时都有坠下悬崖的危险。整个画面给人以清冷孤寂之感。荷花在八大的笔下象征着前朝往事，他就是那只站在寒岩上、枯荷下翻着白眼、缩着脖子、带着孤傲和清寂的怪鸟。前尘往事仿佛梦幻一场，艺术成为他宣泄情感的手段，给了他一种安慰。而荷花正好寄托了八大山人的悲怆情感。
清代画家朱茵的《残荷图》：秋已尽，花开败，几片枯荷斜阳中。干笔、飞白、点、擦，一派萧肃之景，反映了“留得残荷听雨声”的意境。
冷逸的画作，不仅表达了作者凄凉的心境，还可呈现出不屈不挠的性格。高凤翰的《层雪锻香图》绘有一盘根错节、饱经风霜的老梅，墨色浓厚，用笔古拙苍劲。老树虬枝如铁，枝干鳞皴斑驳、苦藓蟠绕，它孤单寂寞地迎风而立，满身都是与自然风霜雨雪搏斗经历的印记，显示出一种悲壮的精神内涵。几根新枝从枯树的根部生长出来，挺然直上。在老干与新枝上，盛开着些许腊梅，荒寒萧疏的寒风中浮动着幽幽的暗香，恰如是“零落成泥辗作尘，只有香如故”，体现了梅花历尽世态沧桑不低头，遭尽风霜雨雪不弯腰的傲骨。画面上及诗堂中狂放错落的草书题画诗，使画面变得更加丰富充实。此图作于乾隆丁巳年即乾隆二年（1737年）。是年，正值高凤翰右手因病残疾，遂改用左手创作，更号“后尚左生”。
荒寒、清冷、幽静的绘画意境，在中国画艺术中占据了相当重要的位置，文人画家追求“以素静为贵、疏淡、冷寂、清逸、幽雅的境界，与士大夫要求自然，不假雕饰的审美思想地拍即合”，[2]但更多的是体现作者深远的忧虑和孤独冷落的情感。
三、一树繁花竞烂漫
有一种美丽是鲜艳，是团花似锦，是雍容华贵。它积极而充满活力，是阳光下欣欣向荣的妖艳，月夜里风姿绰约的曼舞。它以不灭的希望和澎湃的热情，歌颂自然，歌颂生命。它亲切纯真，绝无矫揉造作之态，无论是凌寒独开的梅花，还是傲霜独秀的菊花，都从疏朗淡雅、含蓄清高的姿态中走出，将山野之风、自然之气以璀璨热烈、华美艳丽之姿尽情展露。
罗聘的《竹菊图》作于乾隆三十二年（1767年）。乱石旁生长着一笼秋菊、几杆翠竹，淡墨绘秋菊和竹子，重墨点出叶茎和山石的苔藓，更显现菊之淡雅，竹之高洁了。菊花和翠竹姿态凌乱，却生机盎然，虽经历了“浓云猛雨”（作者题跋），但花依然鲜艳，叶挺拔如故。人之爱菊，只因菊自身带着一种隐居的淡然情怀和与世无争的志趣。“采菊东篱下，悠然见南山”的诗句，更是赋予了菊的隐士风度。
张大千的工笔画艺术成就在中国画坛上占有举足轻重的地位。无论是工笔人物画，还是工笔花鸟画都具有极高的造诣。宋代院体画把工笔牡丹细分为“照殿红”、“泼墨紫”、“佛头青”三种。 牡丹虽美却极难画好，若重妆浓艳，必定俗丽不堪，尤其是画工笔牡丹，易刻板僵滞。张大千花卉技法，原取法于元明文人写意风格，二十世纪四十年代的敦煌之行以后，画风大变，大胆地采用艳丽的色泽，精笔工细，敷染醇厚。大千以鲜红的朱砂重彩渲染牡丹的花瓣，使花瓣有浮凸出画面的立体感，枝叶的转折向背及牡丹花的自然生态表现得淋漓尽致。尽显牡丹华丽之气，贵不可挡。
这些画作亲切淳朴，饱含着生命活力，充满着繁盛的、生生不息的气象，足以呼起人们对于自然之美的神往。苏轼言：“欲把西湖比西子，淡妆浓抹总相宜。”绘画的意境同是，无论是清朗淡雅，还是浓烈艳丽，展现给观者的，均是赏心悦目的美丽。
“诗流过的地方，有了文人的真性，梦飘过的地方，留下了画家的真情。”艺术是创造性的精神活动，投入的是作者的生命和情感。细品着历代绘画大师的心灵之作，中国画艺术的妙境，就在那形式之外的妙香远逸之中。
注释：
[1]王国维.人间词话[M].西安：陕西师范大学出版社,2005,9（4）.
[2]郭廉夫.花鸟画史话[M].南京：江苏美术出版社,2011,6（93）.
