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策划/ 编辑：崔崔崔 文/ 译：聂景
鸣谢：Christophe Guye Galerie、佳士得、苏富比
时装是时尚界的作品，也是时尚文化的产物，因此时尚摄影不只是呈现时尚作品的卖点，也需要体现时尚文化的特征。时装是时尚摄影镜头中的核心，时装之外的其他元素都是辅助性的存在。无论时尚摄影的用途是拍摄杂志照片还是品牌广告，在其制作之初都会确定一个符号化的主题，以此来规划拍摄制作流程。主题将确定所需要拍摄的时装以及与之搭配的道具、场景、形象，并以合适的视觉风格将符号化的时装呈现。
时装设计师往往会为时装注入符号化的设计灵感，这将极大地影响时装的外观。因此时尚摄影的主题首先源自当季时装的造型特征。在此基础之上，主题将决定身着时装的人物形象、道具、场景以及最终的照片视觉风格。选择模特还是明星来展示时装的美感与卖点，以及与之搭配合适的妆容，是否需要配合道具演示，抑或是将时装放置在符号化的场景空间中，最终的照片将拍摄成怎样的风格，不同元素之间的组合将呈现出完全不同的主题。
时装自身的设计美学搭配摄影的表现形式，是传统时尚摄影的惯用方式，至今也一直被沿用。但随着时尚摄影的发展，越来越多的时尚摄影师喜欢将时装作为符号化的表现方式。符号化的时尚摄影除了展示时装的设计美学之外，时尚文化也通过其传达概念。因此，时尚摄影就其制作过程而言，有一套以时装为核心，并叠加道具、场景和角色的常规流程。
1.©理查德·艾维顿，《卡门，向芒卡西致敬，皮尔·卡丹外套，弗朗索瓦总理广场，巴黎》，1957，图片来源于佳士得
2.©理查德·艾维顿，《多维玛和贝齐·皮克林，朗文-卡斯蒂略连衣裙，巴黎工作室》，1958.8，图片来源于佳士得
3.©理查德·艾维顿，《多维玛与大象，迪奥晚礼服，希弗马戏团，巴黎》，1955，图片来源于佳士得
1.©威廉·克莱因，《屋顶上的镜子，纽约》，1959，图片来源于佳士得
2.©兰金，It"s Not That I"m So Smart，HUNGER 2013 年第 5 期，图片由艺术家提供/ It"s Not That I"m So Smart,HUNGER,Issue 5,2013 ©Rankin
时装+道具
要拍摄的时装款式在一定程度上决定了时尚摄影的创意方向。时装的造型设计如果非常突出，完全可以只拍摄时装，配合模特的表现力即可获得很好的时尚照片。许多时尚摄影师都擅长发掘时装本身的设计元素，并调动模特的表现力，使之与时装完美地融合在照片中。
因为时装的造型设计各有特点，因此不同季节、用途的款式，或不同设计特点，比如色彩，相互搭配可以塑造出不同形象。增加相应的道具则会凸显符号化的主题，也可以为时尚摄影增加趣味元素。可以选择的道具并不限制种类，比如日常生活用品、体育或艺术类用品、交通工具、动植物或宠物、美食和饮品等。
道具在时尚摄影中的应用，可以遵循现实逻辑，使时装与道具的组合模拟正常使用场景。也可以反现实逻辑，完全是出于幻想，故意以反逻辑的方式，出其不意的道具运用，也能令时尚摄影耳目一新。
3.©兰金，#No Filter，HUNGER 2017 年第 12 期，图片由艺术家提供/ #No Filter,HUNGER,Issue 12,2017 ©Rankin
兰金Rankin
兰金是英国摄影师、出版人和电影导演。他是同名机构 RANKIN 的负责人，该机构拥有一支 80 多人的强大团队，将企划、创意和制作都集中在一个团队下。通过 RANKIN，他以从事前卫文化和引领未来趋势的工作而闻名：为劳斯莱斯、联合利华、欧莱雅和新秀丽等品牌制作打破规则的广告；
为包括妇女援助和麦克米伦在内的慈善机构创建影响广泛的项目；
并为麦莉·赛勒斯（Miley Cyrus）、瑞塔·奥拉（Rita Ora）等人拍摄音乐视频。作为一名摄影师，兰金的作品范围从肖像到纪实。他曾拍摄过滚石乐队（The Rolling Stones）、大卫·鲍伊（David Bowie）、凯特·莫斯、肯德尔·詹纳（Kendall Jenner）和英国女王伊丽莎白二世（Queen Elizabeth II）等等。作为出版人，兰金于 1991 年与杰斐逊·哈克（Jefferson Hack）共同创办了开创性杂志，此后出版了、和 40 多本书以及一年制作两次的时尚和文化印刷与数字平台。从他自己的出版物到和，他的摄影作品随处可见，并在全球的艺术机构和画廊展出，比如纽约现代艺术博物馆、伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆。
1.©诺曼·帕金森，《阿波洛尼娅·范·拉文斯坦，巴巴多斯克兰海滩酒店，Vogue》，1973，图片来源于佳士得
2.©艾玛·萨莫顿，《古根海姆×迪奥》，2015，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie提供/ Guggenheim x Dior,2015 @ Emma Summerton/ Courtesy of Christophe Guye Galerie
时装+场景
有别于在摄影棚内拍摄，时装置于场景空间中，将为时装增加不同的存在逻辑。场景空间不只有现实场景，常见的还有置景场景和虚拟场景。现实场景会让时装具有实际穿着使用的真实感，因此需要在现实中寻找合适的场景拍摄。
如果对现实场景进行大范围改造，就会形成置景场景。这种类似电影或戏剧的场景，往往为符号化的主题服务，为时装在场景中的存在逻辑增加不同含义。置景场景的改造比现实场景要复杂，不仅需要找到适合改造的场景，改造过程也比较麻烦，甚至可能需要在摄影棚内完全搭建一个符合符号化主题的场景。
虚拟场景则为非现实中的场景，比如通过电脑CG 制作一个空间。由于是完全虚拟，制作难度过于复杂，成本更高。虚拟场景和完全搭建的置景场景往往出于反现实逻辑制作，但也可以模拟现实逻辑，只是模拟现实存在明显偏假的可能，反现实逻辑就完全可以天马行空自由想象，常常用在导演式的时尚摄影中。
诺曼·帕金森Norman Parkinson
诺曼·帕金森是 20 世纪最著名的时尚摄影师。他开创了史诗般叙事的方式，使肖像和时尚摄影超越了之前的僵化形式，并为艺术注入了一种轻松随意的优雅。他拍摄的照片开创了超模的时代，使他成为名人、艺术家、总统和总理的首选摄影师。他是历史性时刻的常客，在私人和公共场合拍摄英国王室以及电影、戏剧和音乐界的领军人物，包括奥黛丽·赫本（Audrey Hepburn）、披头士乐队（The Beatles）、Twiggy、格雷斯·柯丁顿（Grace Coddington）、大卫·鲍伊、伊曼（Iman）、杰里·霍尔（Jerry Hall）等人。在长达 70 年的职业生涯中，诺曼·帕金森作为肖像和时尚摄影师让世界眼花缭乱，并以其创造力启发了他的同龄人。帕金森曾为各种出版物工作，尤其是和其他国际杂志，为他带来了世界范围的认可。在他的整个职业生涯中，他重塑了时尚摄影，从 20 世纪 30 年代开创性的、自发的图像，到战争年代和摇摆不定的 60 年代，再到 70 年代和 80 年代充满异国情调的远方。在他生命的后期，他已经成为家喻户晓的名字，获得了 CBE 勋章，成为皇家摄影学会名誉研究员，并在伦敦国家肖像画廊举办了大型回顾展。他于1990 年在新加坡为拍摄时去世。
3.©艾玛·萨莫顿，《艾梅林×2》，2012，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie 提供/ Aymeline x 2,2012 @ Emma Summerton/ Courtesy of Christophe Guye Galerie
4.©艾玛·萨莫顿，《茱莉亚穿着古驰高跟鞋坐在床边》，2015，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie 提供/ Julia in Bed with Gucci Heels,2015 @ Emma Summerton/Courtesy of Christophe Guye Galerie
时装+角色
时装与角色身份叠加是一种导演式的时尚摄影。即时装在场景中的存在逻辑更进一步，模特在其中扮演一种角色身份。在对时装的造型元素没有特殊要求的情况下，时装在许多角色身份的扮演中具有泛用性，这也是时尚摄影可以导演摄影的基础逻辑。这是将角色身份时装化的一种体现，通过身份特征体现时装的应用场景。在这种情况下，摄影师需要为时装搭配适合角色身份的场景和道具，所选择的模特最好也具有与角色相似的气质。
如果是符合现实逻辑的扮演，场景将从侧面体现角色的身份特征，模特以这种身份特征展示时装的款式。而且时装的款式最好比较接近身份的特征，比如符合角色的职业特征。如果职业特征中不包含服饰特征，则可以用道具来体现身份特征。如果是反现实逻辑的扮演，比如架空幻想的主题扮演，角色身份为虚构，那么场景和道具就可以自由发挥，在模特的造型上也可以夸张一些，契合主题即可，比较适合设计元素本来就比较浮夸的时装。角色元素令时尚摄影的制作更复杂，但对时装的推广也具有更独特的效果。
1.©大卫·拉切贝尔，《阿瓦珑倒在灌木丛中》，1995，图片来源于佳士得
大卫·拉切贝尔David LaChapelle
大卫·拉切贝尔 1963 年出生于美国康涅狄格州，就读于北卡罗来纳州艺术学校的高中。大卫·拉切贝尔最初学习绘画，后来开始尝试摄影媒介。他会在处理胶片之前手绘底片，以获得一种独特的色彩光谱。在 17 岁时，大卫·拉切贝尔搬到了纽约市。在 303 画廊举办了他的第一个摄影展后，他被安迪·沃霍尔雇用为杂志工作。通过对色彩的掌握、独特的构图和富有想象力的叙述，大卫·拉切贝尔开始扩大摄影的范围。他的置景照片、肖像和静物作品挑战了传统摄影的策略，他的作品迅速获得了国际关注。1991 年，《纽约时报》预测，“大卫·拉切贝尔肯定会影响新一代的作品…… 就像理查德·艾维顿先生开创了今天人们所熟悉的许多东西一样。”在此后的几十年里，大卫·拉切贝尔已经成为全世界出版作品最多的摄影师之一。在过去的 30 年里，他的作品在国际上的画廊和博物馆展出，包括伦敦国家肖像馆、巴黎博物馆、巴比肯中心、维多利亚和阿尔伯特博物馆、特拉维夫艺术博物馆、奥赛博物馆、格罗宁格博物馆以及美国国家肖像馆。
2.©大卫·拉切贝尔，Vogue War Kids，2005，图片来源于佳士得
3.©大卫·拉切贝尔，《波波发疯的时候》，1995，图片来源于苏富比
©大卫·拉切贝尔，《亚历山大·麦昆和伊莎贝拉·布洛 ——烧毁房子，伦敦》，1996，图片来源于佳士得
除了单独拍摄静物，在时尚摄影中基本都有人物形象展示时装及配饰。人物形象是演绎时装的主体，也是为消费者预演时装的穿着效果。时尚摄影的目的之一就是为身着时装的消费者建构一种身份与地位的象征，所以其中的人物形象即为推销时装所设计。人物形象的建构受到方方面面的影响，不仅不同时代有不一样的审美，而且时尚品牌不同的宣传需求也有侧重。
模特和明星是时尚摄影中最常见的人物形象。模特和明星共同为时装消费者打造了人物形象的幻梦滤镜。模特的形象是时尚界展示时装的专职形象，犹如行走的衣架。模特的身体是用以体现时装设计的极致需求，虽然不同时代的审美标准不同，但是由于跟普罗大众自然生长的身材不一样，所以模特的身体可以说是其最有时尚和商业价值的部分之一。另一影响模特形象的则是个性与气质，在追求极致审美的时尚界，独特的个性和气质往往使时装产生非同凡响的风格，因此在时尚历史中产生影响力的现象级超模，或是符合时代审美，或是以其自身个性与气质影响时代审美。
在时尚摄影中，形象的选择将与展示时装的目的结合，形成双向选择，为拍摄选择合适的形象。虽然 19 世纪中叶，时装模特这一职业便已诞生，但真正被主流视野关注则是在 20世纪 60 年代 Twiggy 那一代模特。在此之前，模特普遍是时尚界内部的职业，比较有名的是后来嫁给欧文·佩恩的丽莎·方萨格里夫斯-佩恩（Lisa Fonssagrives-Penn），她曾出现在许多杂志上，在一定程度上也定义了当时的模特形象。不过随着 Twiggy 的出现，模特的形象在之后的时间里不断被解构，时尚审美不断拓展。
虚拟模特的出现，给传统的模特形象带来全新挑战，也是模特形象多元化趋势的新特征。计算机技术不断发展，在游戏领域中运用虚拟人物的技术越来越成熟，使其完全可以制作仿真人物形象，最近几年已有虚拟偶像和虚拟模特诞生。时尚界自然也关注到这一新的技术趋势，许多品牌也启用过虚拟模特担任代言人。路易·威登（Louis Vuitton）曾选择《最终幻想XIII》游戏的女主角雷霆代言当季时装，巴尔曼（Balmain）也曾使用艺术家卡梅伦-詹姆斯·威尔逊（Cameron-James Wilson）创造的三位虚拟模特展示时装。
1.©巴里·拉蒂甘（Barry Lategan），Twiggy，1966，图片来源于苏富比
2.©伯特·斯特恩（Bert Stern），Twiggy，1967，图片来源于佳士得
3.©欧文·佩恩，《近期最受关注的 12 位模特》，1947，图片来源于佳士得
Twiggy
跟之前追求模特的完美气质不同，Twiggy 的身材完全不符合好莱坞金发碧眼完美曲线的传统审美。她的短发和娃娃妆造型，常常搭配平底鞋、迷你裙或裤子的风格，在反叛的 20 世纪 60 年代，以中性之美塑造了独立女性的新象征，并解构了完美女性的审美标准。其后影响到不同时代的超模，在后世的海洛因时尚风潮、娃娃脸风潮中都有 Twiggy 的影子。
五大传奇超模
琳达·伊万戈琳斯塔（Linda Evangelista）、辛迪·克劳馥（Cindy Crawford）、克莉丝蒂·杜灵顿（Christy Turlington）、克劳迪娅·希弗（Claudia Schiffer）和娜奥米·坎贝尔（Naomi Campbell）在 20 世纪 80—90 年代被誉为是五大传奇超模（Big Five），她们代表了传统审美的回归。五大传奇超模不仅拥有性感的身材，甚至以其高颜值将模特的影响力带入明星的范畴，极大地提高了模特的职业地位。琳达·伊万戈琳斯塔更是豪言道，每天没有 1 万美元的报酬就不起床。
1.©赫伯·瑞茨（Herb Ritts），《斯蒂芬妮、辛迪、克里斯蒂、塔贾娜、娜奥米，好莱坞》，1989，图片来源于佳士得
2.©阿尔伯特·沃森，《克莉丝蒂·杜灵顿，卢克索，埃及》，1987，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie 提供/Christy Turlington,Luxor,Egypt,1987 @ Albert Watson/ Courtesy of Christophe Guye Galerie
阿尔伯特·沃森Albert Watson
1942 年出生于苏格兰的爱丁堡。他目前在纽约生活和工作。作为著名的伦敦皇家艺术学院的学生，阿尔伯特·沃森是一位以时尚、名人和艺术摄影而闻名的苏格兰摄影师，自 20 世纪 70 年代中期以来，他已经拍摄了超过 200 张和 40 张封面。他的照片是标志性的、经典的、大胆的。这位艺术家用他独特的摄影观点极大地丰富了我们的感知力，他与理查德·艾维顿和欧文·佩恩等人一起被评为有史以来最具影响力的 20 位摄影师之一。他的作品在世界各地的著名画廊和博物馆展出，赢得了众多奖项，包括 Lucie 奖、格莱美奖、哈苏大师奖和三次 ANDY 奖。2010 年，他被授予英国皇家摄影学会的百年纪念奖章和荣誉会员资格（HonFRPS），以表彰其对摄影艺术持续、重大的贡献。
海洛因时尚
20 世纪 90 年代中期，性感女神形象被凯特·莫斯（Kate Moss）的不羁、慵懒、颓废的病态风格取代。时尚界又一次厌烦了高挑、精致、性感、漂亮的完美形象，凯特·莫斯所代表的海洛因时尚（Heroin Chic）以一种反时尚潮流的方式来获得现象级的地位。海洛因时尚代表着当时内心空虚、精神无所寄托的逆反性心理，与当时的国际社会状态有关。不过这种反文化的病态美学有着严重的负面影响，在 2000 年之前就被取代，健康漂亮的性感超模又一次回归。
1.©彼得·林德伯格，《凯特·莫斯，罗马，时尚芭莎美国版》，1994，图片来源于佳士得
2.©马里奥·特斯蒂诺（Mario Testino），《凯特·莫斯，伦敦》，2006，图片来源于佳士得
娃娃脸超模
性感健康的超模形象虽然遏制了病态的海洛因时尚，但不代表时尚界抛弃了对纤瘦身材的迷恋。有着 Twiggy 影子的“娃娃脸”（Doll Face）超模，也被称为精灵系或仙女系超模，成为 21 世纪前十年最典型的时尚形象。吉玛·沃德（Gemma Ward）、莉莉·科尔（Lily Cole）、娜塔莉·沃佳诺娃（Natalia Vodianova）、弗拉达·洛丝亚珂娃（Vlada Roslyakova）、莉莉·唐纳森（Lily Donaldson）等人以纤瘦身材配合甜美可爱的容颜，成为新一代超模。时尚界对模特形象的审美在不断轮回。
©安妮·莱博维茨（Annie Leibovitz），《爱丽丝梦游仙境，奥利维尔·泰斯金斯与娜塔莉·沃佳诺娃》，2003，图片来源于佳士得
形象多元化
进入 21 世纪的第二个十年，随着社交网络以及数字摄影的兴起，传统纸媒的影响力被网络所取代，模特形象在网络中的传播成指数级的增长。时尚界不再是从圈内封闭式地挑选模特形象，拥有粉丝流量的模特对于时装的推销自然更有利，因此社交网络中更受欢迎的模特便拥有了更多的时尚话语权。而平权运动的努力，使时尚界也认识到美的标准并不单一，多年来的性感与纤瘦二元轮回，也意味着各有其美才是美的真谛。模特形象开始更多元化，不同身材、不同人种的模特各有其适用领域。
©彼得·林德伯格，《尤莉·斯坦梅尔、琳恩·科斯特、辛迪·克劳馥和琳达·伊万戈琳斯塔，Pin Up Studios，巴黎》，1989，图片来源于苏富比
彼得·林德伯格Peter Lindbergh
彼得·林德伯格于 1944 年 11 月 23 日出生于波兰莱兹诺（当时被纳粹德国吞并），是一位摄影师和视频导演。战后，他们一家搬到了沿海工业城镇杜伊斯堡，后来这里影响了他的摄影启蒙。受约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）的启发，彼得·林德伯格首先研究了抽象和观念艺术。受到多萝西娅·兰格（Dorothea Lange）、亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）和盖瑞·温诺格兰德（Garry Winogrand）的纪实摄影的启发，他的摄影以写实主义著称，其拍摄的物体和人物通常是朴素随意的风格。拒绝向光鲜亮丽的完美低头，只为捕捉每个人朴素的灵魂，彼得·林德伯格的美学极大地影响时尚界和流行文化，他为 1990 年 1 月的英国版拍摄的标志性封面就证明了这一点。彼得·林德伯格此后拍摄了许多音乐视频和专辑封面。巴黎高古轩画廊于 2014 年 9 月举办了他的个展。彼得·林德伯格于 2019 年 9 月 3 日去世，享年 74 岁。
1.©理查德·艾维顿，《奥黛丽·赫本、阿特·布赫瓦尔德、西蒙、芭芭拉·马伦、弗雷德里克·埃伯施塔特和雷金纳德·科南博士，巴尔曼、迪奥、帕图、马克西姆的晚礼服，巴黎》，1959.8，图片来源于佳士得
2.©安妮·莱博维茨（Annie Leibovitz），《黑道家族》，1999，图片来源于佳士得
明星
明星的知名度则非常适合推销时装。明星的身材或许没有模特那么极致，但也是万里挑一，而其颜值往往更胜一筹，如果兼具颜值与模特身材，这样的明星很容易成为时尚界的焦点。时尚界借助为明星的电影、电视、音乐、娱乐等活动提供时装，邀请其为时尚媒体拍摄时装照片或视频，以及代言每一季新品等方式，使时装与娱乐业绑定，双方各取所需，资源置换，共赢互利。
3.©特里·奥尼尔（Terry O"Neill），《费耶·达纳韦与奥斯卡金像奖，贝弗利山》，1977，图片来源于佳士得
4.©塞西尔·比顿（Cecil Beaton），《玛丽莲·梦露》，1956，图片来源于佳士得
塞西尔·比顿Cecil Beaton
塞西尔·比顿是一位英国摄影师和设计师，以其优雅的上流社会照片而闻名。他以电影的方式工作，他的黑白图像的特点是它们的舞台化姿势和富有想象力的布景。塞西尔·比顿的服装和舞台设计为他赢得了三项奥斯卡奖，其中一项是由《窈窕淑女》（1964）获得。他于1904 年 1 月 14 日出生于英国伦敦的一个富裕家庭，在剑桥的圣约翰学院学习，但在完成学位之前就离开了。尽管他曾在保罗·唐克瑞（Paul Tanqueray）的工作室学习，但他主要是靠自学成为一名摄影师。塞西尔·比顿受雇于众多出版媒体，包括和。在第二次世界大战期间，他的重点转移到记录整个英国和欧洲的战争现实。“要大胆、与众不同、不切实际，”他曾经宣称，“要成为任何能够坚持目标完整性和富有想象力愿景的人，反对平平无奇，不做平凡的生物或奴隶。”塞西尔·比顿的作品曾在纽约现代艺术博物馆、洛杉矶郡艺术博物馆和伦敦国家肖像画廊等美术馆展览。塞西尔·比顿于 1980 年 1 月 18 日在英国布罗德查尔克去世。
时尚摄影受到时尚界和摄影视觉两方面的影响。摄影的作用就是将时装、形象与空间、道具组合成所需要的视觉效果。时尚摄影一直从摄影史不同阶段的艺术风格中汲取灵感，不同时代的时尚摄影也在一定程度上反映出摄影艺术的影子。
20 世纪初期，照片开始取代插画，逐渐成为时尚杂志中展示时装及饰品的主要方式。时尚摄影在过去百余年间的视觉风格，也体现了摄影术和印相工艺的变迁。不同的摄影术和印相工艺会呈现出不同的视觉效果，早期因时代工艺的特点，时尚摄影有不同工艺的视觉特征。在数字摄影中，曾经的工艺效果均可通过电脑模拟，因此在当代的时尚摄影中，也会制作一些模拟古典工艺效果的视觉风格。摄影与绘画、设计等平面视觉艺术之间的联系非常有历史渊源，相互之间的风格影响也在时尚摄影中有所体现。20 世纪后期，视觉艺术百花齐放，电影在制造视觉幻象方面的影响，令摄影领域的艺术家受到启发，导演摄影成为摄影艺术的新潮流。时尚摄影也将导演摄影的方式应用在时装拍摄中。在时尚摄影的发展历程中，视觉元素为推销时装服务，因此各种视觉效果均可参考，由此形成各具特色的时尚摄影风格。
1.©理查德·艾维顿，《斯蒂芬妮·西摩，“世纪经典”——20世纪50年代的克里斯蒂安·迪奥的大衣、裙子、帽子、高跟鞋和手套》，1995.4，图片来源于佳士得
2.©阿尔伯特·沃森，《塞西莉亚·钱斯勒，纽约市》，1984，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie 提供/ Cecilia Chancellor,New York City,1984 @ Albert Watson/ Courtesy of Christophe Guye Galerie
3.©赫伯·瑞茨（Herb Ritts），《范思哲连衣裙，后视图，埃尔默拉奇》，1990，图片来源于佳士得
古典与现代
虽然不同时代的审美风格定义了不同时代的时尚摄影，但时尚界的审美是不断轮回往复的前进方式，过去的视觉风格时常会以一种复古的仪式感出现在当下的时尚摄影中。比如，时尚摄影师马库斯·奥尔森（Marcus Ohlsson）曾为杂志制作过蓝晒风格的影像，这种 19 世纪便已诞生的古典工艺以一种蓝白影调闻名。时尚摄影师保罗·罗维西（Paolo Roversi）曾为意大利版拍摄过形变的时装，用移轴的镜头将模特和时装拍出哈哈镜式的效果，这是比尔·布兰特（Bill Brandt）常用来拍人像的方法。现代主义时期简洁直接的风格，从爱德华·斯泰肯（Edward Steichen）到后来的欧文·佩恩（Irving Penn）和理查德·艾维顿（Richard Avedon）以及至今的时装广告和杂志照片也广泛应用。数字技术日新月异，3D 摄影和 3D 扫描的图像转成平面图像，虽然会有一些奇怪的效果，但也符合时尚摄影奇异观看的视觉风格。
©埃里克·梅迪根·海克，无题，2019，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie 提供 /Untitled,2019 @ Erik Madigan Heck/ Courtesy of Christophe Guye Galerie
画意与设计
早期的时尚摄影曾受画意摄影的影响，绘画元素因此也经常出现在时尚摄影中。同为视觉艺术，绘画对于场景和人物的造型设计，与时尚摄影拍摄的内容有着非常多的相似性。在时尚摄影中也经常直接使用绘制的背景进行拍摄，对于模特的造型，除了妆容的设计具有非常强烈的绘画元素外，有时也会在模特的身体上进行彩绘。平面设计元素在时尚摄影中的运用分为前期拍摄和后期制作两类，二者兼而有之的情况也有。前期拍摄时，画面构图可以参考平面设计，甚至可以准备一些道具组成设计图案。后期制作则可以通过电脑添加任何需要的平面设计元素。比如，在 Lanvin 2005 秋冬广告中，时尚摄影师史蒂文·梅塞（Steven Meisel）将模特莉莉·唐纳森的照片左右对称，时装如常态一样对称，但是左右对称的模特却令这组时装广告既怪异又非常吸引人。
埃里克·梅迪根·海克Erik Madigan Heck
埃里克·梅迪根·海克出生于 1983 年，来自明尼苏达州埃克塞西奥尔，是当代艺术界最年轻、最有前途的美国时尚摄影师之一。在至今为止的职业生涯中，他形成了一种看待时尚的个人方式。他的作品的特点是对颜色和图案进行了清晰而独特的处理。2017 年，埃里克·梅迪根·海克跟泰晤士与哈德逊出版社和艾布拉姆斯出版社合作出版了他的第一本专著《复古的未来》（）。在他的《复古的未来》系列中，埃里克·梅迪根·海克探索了摄影和绘画的交集，他借鉴并融合了时尚摄影、风景画和肖像画的类型。埃里克·梅迪根·海克是和英国版的摄影师。他的广告客户包括苏富比、倩碧、耐克、Neiman Marcus、洛杉矶爱乐乐团、纽约市芭蕾舞团、The Gap、VH1、Gentle Monster 等。2013 年，他成为获得享有盛誉的 ICP 无限奖的最年轻的摄影师之一。
1.©保罗·罗维西，Roos for Dior,Studio Luce,rue Paul Fort,Paris，2017，图片来源于苏富比
艾玛·萨莫顿Emma Summerton
1970 年于澳大利亚出生的艾玛·萨莫顿，毕业于悉尼国家艺术学校，在那里她学习美术，主修摄影。艾玛·萨莫顿于 1998 年搬到伦敦，担任艺术家菲奥娜·班纳（Fiona Banner）的助理，同时开始了她的摄影师生涯。艾玛·萨莫顿第一次为时尚杂志拍摄是在 2005 年，为杂志。从那时起，艾玛·萨莫顿已经成为 21 世纪 00 年代中期出现的最有才华的摄影师之一。她的摄影技术加上她对细节的关注和对时尚的热爱，使她的作品不仅独特，而且非常有特色，令她在当今时尚行业的摄影师中脱颖而出。艾玛·萨莫顿目前为意大利、英国、美国、德国、澳大利亚、西班牙、日本和中国的和拍摄照片。
2.©帕特里克·德马舍利耶，《克莉丝蒂，纽约》，1990，图片来源于苏富比
3.©艾玛·萨莫顿，《身着迪奥的莉莉和弗莱娅》，2010，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie 提供/ Lily &Freja in Dior,2010 @ Emma Summerton/ Courtesy of Christophe Guye Galerie
4.©埃里克·梅迪根·海克，《Gucci 圆点，档案》，2019，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie 提供/ Gucci Dot,Archive,2019 @ Erik Madigan Heck/ Courtesy of Christophe Guye Galerie
导演与幻象
在后现代以来的摄影艺术中，导演摄影一直备受瞩目，时尚摄影从中借鉴拍摄方式自然水到渠成。相比之下，时尚摄影使用导演式拍摄的目的和方法就简单直接得多，借助符号化的主题，依靠时装、模特、场景和道具的组合运用，构建展示时装的特定画面。其主题既可以是源自现实的，也可以完全自由想象创造一个天马行空的幻象。如果品牌当季的时装设计有非常明确的主题，可以针对时装的主题设计时尚摄影的画面，反之也可以主题先行，为之搭配时装。时尚摄影师帕特里克·德马舍利耶（Patrick Demarchelier）就曾为俄罗斯版拍摄过一组芭蕾舞教师的主题照片，照片中模特安娜·塞列兹涅娃（Anna Selezneva）扮演教师，在舞蹈教室中教授舞蹈，还有几名学生出镜。杂志曾拍摄一组题为的主题照片，模特克里斯汀·麦克梅纳米（Kristen McMenamy）在其中扮演人鱼，除了为之搭配合适的时装外，时尚摄影师蒂姆·沃克（Tim Walker）还准备了许多道具，除了安装在模特身上的鱼尾，还有体现海洋元素的贝壳、海螺、珍珠等，将整组照片塑造成一篇黑色童话。导演式的时尚摄影虽然会增加拍摄成本，但是容易获得更好的视觉效果。
1.©大卫·拉切贝尔，Exposures of Luxury，2009，图片来源于佳士得
2.©艾玛·萨莫顿，《火箭上的拉克尔》，2008，图片由艺术家和 Christophe Guye Galerie提供/ Raquel on a Rocket,2008 @ Emma Summerton/Courtesy of Christophe Guye Galerie
3.©赫尔穆特·纽顿（Helmut Newton），《回家，法国》，1997，图片来源于苏富比
4.©大卫·拉切贝尔，《高级定制时装消费》，1999，图片来源于佳士得
©蒂姆·沃克，《乔纳斯·凯瑟勒和莉莉·唐纳森在蓝色喷火战斗机中，格莱姆厅，萨福克郡》，2009，图片来源于苏富比
蒂姆·沃克Tim Walker
蒂姆·沃克在 20 世纪 90 年代中期凭借对童话故事的热爱和对冒险的渴望，依靠极具想象力和奇幻色彩的照片声名鹊起。从那时起，他充满活力的时尚照片和无与伦比的肖像登上了和等杂志的版面。他出版了 7 本书，并在各大博物馆举办过个展。他与音乐家合作的短片和项目赢得了国际赞誉。
蒂姆·沃克于 1970 年出生于英国，从小就开始拍照。在伦敦康泰纳仕图书馆的塞西尔·比顿档案馆工作了一年，这激发了他在埃克塞特艺术学院学习摄影的灵感。获得学位后，他继续磨炼自己的能力，在纽约担任理查德·艾维顿的摄影助理。蒂姆·沃克在 25 岁时第一次为英国版拍摄，并持续至今。
他以其奢华的画面和丰富叙事以及在世界各地拍摄而闻名。作为新秀和非传统美的拥护者，他喜欢与模特和表演者长期合作，包括伊迪·坎贝尔（Edie Campbell）、凯伦·艾尔森（Karen Elson）、凯特·莫斯和蒂尔达·斯文顿（Tilda Swinton）。在使用非凡的布景和道具工作多年后，他挑战自己在简单的白色空间中创作肖像。每幅肖像都需要精心准备，蒂姆·沃克仔细研究了模特的动机和激情，以便在一张照片中捕捉到他们的本质。
将时装叠加各种元素的方法，虽然可以快速开始时尚摄影的制作流程，但惯例都是从百余年来的时尚摄影师的经验总结而成的。时尚摄影永远不会满足于已有的视觉效果，不断寻找新的灵感，创造新的视觉奇观，才是时尚摄影不断进化的根源。
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